martes, 31 de julio de 2012

AbriendoIdeas Libros

En el día de hoy no voy a hacer mi crítica habitual de libros, sino que en cambio voy a dejar  arte en libros, es decir grandes ilustradores que desarrollaron su trabajo en portadas y en el interior de grandes obras.  


Particularmente voy a tratar el caso de una de las mas grandes obras de la literatura Argentina que ha contenido en sus hojas el trabajo de grandes artistas.


Martín Fierro 
de José Hernández

File:Martin Fierro1.jpg

No voy a tratar en profundidad el contenido del libro dad la amplia cantidad de críticos, filósofos y literatos que lo han analizado. Recomiendo leerlo dado que definitivamente es una obra excelente, compleja y representativa de la cultura nacional. Para el que quiera ampliar el análisis conceptual de esta obra recomiendo leer el profundo tratamiento y crítica de Jorge Luis Borges al respecto, que realmente a logrado acceder a su esencia y estructura.



Ilustración en la edición de 1965 realizada por Juan C. Castagnino.





Grandes Ilustraciones de Castagnino en este libro, aportando su estilo a partir de los trazos rápidos y expresivos en tinta.



Edición ilustrada por el gran artista Ricardo Carpani







Observen la fuerza de Carpani en estas ilustraciones con ese estilo macizo y poderoso. Dando a los cuerpos un poder y tamaño que lucen y destacan la dureza de este personaje.


Ilustración del artista Juan Arancio.




Libro_Martin_Fierro


Un estilo mucho más cercano a la novela gráfica

Aquí una gran edición  de Editorial De la Flor ilustrada por Fontanarrosa.





Luego este artista desarrolló un film animado siguiendo la estética desarrollado en estas ilustraciones.



lunes, 30 de julio de 2012

AbriendoIdeas Teorías

Dejo un artículo muy interesante publicado en Ñ el 13/72012 en el que Anne Cauquelin desarrolla una reflexión profunda sobre el arte y su historia.


Pensar el arte


La célebre teórica francesa Anne Cauquelin reflexiona en su nuevo ensayo sobre creación, obra y espectador.

POR JOSE FERNANDEZ VEGA






Una vieja broma, atribuida a distintas fuentes, sostiene que la estética y la teoría del arte tienen tanto interés para los artistas y el público como la ornitología para los pájaros. Tomada en serio, la ironía implicaría tanto una crítica a las abstracciones excesivas en las que incurre la filosofía cuando se ocupa del arte como una afirmación de la espontaneidad del hecho estético.

En el arte, todo sería cuestión de inspiración y sentimiento; por tanto, cualquier especulación intelectual sobre él resultaría superflua. La objeción obvia a la que se enfrenta dicha actitud es que no deja de representar una posición filosófica entre otras. Sólo que, según ésta, para el espectador todo se resume en contemplación y goce personal.

Sin duda, la célebre filósofa francesa Anne Cauquelin rechaza la idea de que no haya nada que pensar.

Las teorías del arte se propone como una introducción (el último libro que hay que escribir, pero el primero que hay que leer, según un viejo profesor) al vasto tema de las concepciones filosóficas acerca de ese tradicional triángulo en cuyos vértices se encuentran la creación, la obra y el espectador.

La estrategia de la autora consiste en presentar algunas visiones cardinales que florecieron a lo largo de la dilatada historia del pensamiento occidental.

Sin sorpresas, el relato comienza con Platón y su, todavía hoy, polémica defenestración de los artistas en los famosos pasajes del libro X de su República. En su diseño para una ciudad ideal, Platón entiende que el arte resultaría perjudicial, puesto que trabaja sobre las apariencias, excita las pasiones y tiene un gran predicamento entre los inocentes observadores. Así, los ciudadanos de la ciudad utópica se verían inclinados al error y a la falta de moderación, y eso debilitaría las virtudes cívicas e intelectuales que quiere promover su filosofía.

Platón habría contribuido a una teoría ambiental del arte, dice Cauquelin, puesto que en su tiempo no se trataba de analizar obras o tendencias, sino de comentar una actividad para la cual ni siquiera existía todavía un nombre genérico.

En contraste, Aristóteles ofreció en su Poética una visión más desarrollada y específica, aplicada, ante todo, al teatro trágico. De acuerdo con Cauquelin, Aristóteles presenta una teoría conminativa, vale decir, una serie de preceptos acerca de lo que debe ser una buena tragedia (otros intérpretes rechazan que Poética contenga los dogmas que le atribuyeron más bien los lectores neoclásicos).


Más allá de la teoría


Dos milenios más tarde, Kant erigió un sistema en el que se defiende de manera articulada la autonomía artística, un tema que estaba siendo discutido en su época con distintos resultados, nunca tan contundentes como los que ofreció en su última gran obra, la Crítica de la facultad de juzgar. Allí se argumenta que la belleza se halla libre de las constricciones de la ciencia, la política, la moral y la religión.

Menos interesado en manifestaciones artísticas particulares que en la consistencia del edificio especulativo que estaba erigiendo, Kant, sin embargo, abrió un camino decisivo para la estética. Una generación después, Hegel brindó una aproximación histórica y una clasificación de las artes, y se mostró mucho más interesado que su predecesor en el análisis de obras concretas.

Ya en el siglo XX, T. W. Adorno produjo el último gran clásico de la disciplina, Teoría estética, vinculando sus reflexiones al entorno de las vanguardias y del alto modernismo del que fue contemporáneo. Adorno escribió que Kant y Hegel eran filósofos que todavía podían discurrir sobre el arte sin saber nada de él, pecado de arrogancia demasiado frecuente entre los pensadores.

Cauquelin agrupa a todos estos autores alemanes en la descendencia de Aristóteles, puesto que sus teorías son también, cada una a su modo, “conminativas”. En su breve libro, Cauquelin está obligada a ofrecer una selección. Los autores indispensables de la tradición están, desde luego, incorporados a la historia que relata, pero otra cosa es imaginar qué impacto pueden tener los apretados resúmenes de la autora en un lector no familiarizado con aquellos. En Las teorías del arte se suelen dar por sentados contextos doctrinarios y sus referencias al arte son muy escasas.

Con todo, Cauquelin reivindica una serie de teorizaciones periféricas a las que forjaron los filósofos, si bien pueden tener un impacto tanto mayor a las de éstos en el pensamiento vivo sobre el arte. Se trata, por ejemplo, de los escritos de los propios artistas, desde los de Leonardo hasta las autointerpretaciones un poco adocenadas (denominadas statements en la jerga internacional del negocio) a las que el mercado obliga a los artistas de nuestros días.

La crítica de arte se inició con los textos de Denis Diderot sobre los salones del siglo XVIII. Antes de entrar en el declive que se le recrimina en la actualidad, alcanzó un clímax de influencia con los dictámenes del estadounidense Clement Greenberg (1909-1994). Ella es objeto en este libro de unas consideraciones más sustantivas que los veloces acercamientos a las múltiples corrientes contemporáneas.

Mientras fenomenólogos o analíticos, semiólogos o hermeneutas siguen produciendo ensayos sobre el arte, éste continúa su camino (hacia al precipicio, según algunos intérpretes), indiferente, por lo común, a la gris teoría estética convencional, aunque, paradójicamente, siempre ávido de contactos con el pensamiento contemporáneo.

domingo, 29 de julio de 2012

AbriendoIdeas Libre

En este día libre voy a dejar un poco de poesía de la buena: 



Almafuerte


¡Piu Avanti!

No te des por vencido, ni aun vencido,
no te sientas esclavo, ni aun esclavo;
trémulo de pavor, piénsate bravo,
y arremete feroz, ya mal herido.


Ten el tesón del clavo enmohecido
que ya viejo y ruin, vuelve a ser clavo;
no la cobarde intrepidez del pavo
que amaina su plumaje al menor ruido.


Procede como Dios que nunca llora;
o como Lucifer, que nunca reza;
o como el robledal, cuya grandeza
necesita del agua y no la implora...


Que muerda y vocifere vengadora,
ya rodando en el polvo, tu cabeza!




¡Avanti!


Si te postran diez veces, te levantas
otras diez, otras cien, otras quinientas:
no han de ser tus caídas tan violentas
ni tampoco, por ley, han de ser tantas.

Con el hambre genial con que las plantas
asimilan el humus avarientas,
deglutiendo el rencor de las afrentas
se formaron los santos y las santas.

Obsecación asnal, para ser fuerte,
nada más necesita la criatura
y en cualquier infeliz se me figura
que se mellan los garfios de la suerte...

¡Todos los incurables tienen cura
cinco minutos antes de su muerte!




Décimas

Yo soy flor que se marchita
al sol de la adversidad,
el arbolito en mitad
de la llanura infinita.

La paloma, pobrecita
que arrastran los aquilones,
entre oscuros nubarrones
de tempestades airadas,
soy la barca abandonada
en el mar de las pasiones.

Soy el ave que al bajar
de los aires fatigada,
no tiene ni una enramada
ni un árbol en que anidar;

y si vuelve a levantar
las tristes alas del suelo,
encuentra nublado el cielo
y desecha la tormenta,
y el pájaro se lamenta
y vuelve a tender su vuelo.

Yo no canto por llamar
la atención que no merezco,
yo canto porque padezco
penas que quiero olvidar;

que tan solo con cantar
se va al viento nuestra pena,
y yo tengo el alma llena
de pesares y amarguras,
¡Más que en La Pampa hay anchura
más que en la mar hay arena!

¡Adiós primorosa flor!
Adiós lucero invariable,
solamente comparable
a la estrella de mi amor;

cuando sientas un dolor
parecido al que yo siento,
Dios quiera que tu lamento
no sucumba en la ignorancia,
y atraviese la distancia
sobre las olas del viento.




sábado, 28 de julio de 2012

AbriendoIdeas Salidas




Artes plásticas: 


"Museo de Arte Moderno"


Este es un museo que reabrió sus puertas en 2010 y que permite generar una mirada panorámica de las vanguardias en Argentina. Les voy a dejar la lista de todos los artistas que forman parte de la colección para que ustedes mismos se sorprendan:

"El acervo del museo abarca el arte argentino desde la década de 1920 hasta nuestros días, con un total de más de 7.000 obras.

Entre las importantes donaciones que el Museo recibió en los últimos años, figuran las colecciones completas de Fotografía Argentina, de Diseño Industrial y Diseño Gráfico Argentino y obras de las últimas tendencias artísticas que compendian las dos últimas décadas. Se completa con un amplio panorama del dibujo y el grabado. Toda la obra gráfica de A. Seguí, de L. Seoane y de P. Audivert y la Colección del escultor A. Heredia.

Las más diversas manifestaciones de las vanguardias históricas están representadas en el museo. Las pinturas de E. Pettoruti, de J. Del Prete, esculturas de P. Curatella Manes, S. Vitullo, A. Sibellino, N. Gerstein, L. Badii, las visiones fantásticas de Xul Solar, la crítica social de A. Berni, E. Policastro y J. C. Castagnino o los astro-seres de R. Forner, son solo una muestra de su rico patrimonio.

El arte Concreto y Madí se enriqueció con la Colección Ignacio Pirovano, que cuenta con obras de V. Magariños, E. Iommi, T. Maldonado, M. Espinosa, A. Hlito, H. Demarco y J. Le Parc, destacándose entre los internacionales G. Vantongerloo, M. Bill, W. Kandinsky, F. Picabia, J. Albers. A estos nombres se sumaron además los de C. Arden Quin, M. Blaszko, G. Kosice, R. Lozza y otros artistas.

Un hito importante dentro de la colección del Museo son las obras de espíritu Informalista, que coincide con los albores de la fundación del mismo a fines de la década del 50. Autores como A. Greco, K. Kemble, M. Peluffo, K. Sakai, L. Wells, R. Santantonin, M. Pucciarelli, J. Roiger, S. Torras y C. Testa, y las pinturas del español M. Millares, entre los que marcan esta tendencia.

En los 60´ se destacan las creaciones de los neofigurativos J. de la Vega, E. Deira, R. Macció, L. F. Noé. 
Dentro de la diversidad geométrica se encuentran R. Polessello, M. Martorell, M. A. Vidal, A. Brizzi, E. MacEntyre, C. Silva; los minimalistas C. Paternosto, A. Puente y los cinéticos como J. Le Parc, M. Boto, E. Sabelli, L. Tomasello y G. Vardanega. 
Obras de artistas conceptuales como L. Porter, O. Bony, M. Orensanz, M. Paksa, E. Costa, H. Zabala, J. Bedel, A. Portillos, F. Peralta Ramos, J. C. Romero, F. Benedit, V. Grippo dan cuenta del conceptualismo en nuestro país.

Entre los artistas consagrados podemos mencionar a G. Stern, A. M. Heinrich, H. Cóppola, M. Minujin, S. Makarius, E. Giménez, C. Gorriarena, L. Katz, G. Messil, D. Puzzovio, D. Lamelas, C. Squirru, R. Azaro, E. Renart, J. Davidovich, C. Alonso, P. Suárez, N. García Uriburu y L. Ferrari.
Contextualizan la Colección Argentina, artistas internacionales como H. Matisse, A. Derain, P. Picasso, S. Dalí, J. Miró, W. Kandinsky, S. Delaunay, P. Mondrian, J. Beuys, M. O´Connor, C. Close, A. Miralda y A. Muntadas entre otros.

La variedad de la colección del museo acompaña el desarrollo del arte moderno, desde los tempranos collage de J. Del Prete y Yente, a los de N. Rubío y A. Berni que preludian la estética de la materia. De los objetos e instalaciones construidos con materiales heteróclitos: R. Santantonín, E. Renart, A. Paparella, A. Heredia y R. Aizenberg, a las recientes experiencias artísticas y audiovisuales que conforman el panorama de la posmodernidad. Entre los que se encuentran A. Prior, G. Kuitca, A. Rearte, D. Pierri, Gumier Maier, N. Constantino, E. Ballesteros, M. De Caro, G. Romano, P. Siquier, A. Kuropatwa, G. Hasper, M. Harte, F. Kacero, S. Gordin, E. Pastorino, G. P. Minelli, H. Marina, I. Marino, M. Mercado, D. Lascano, G. Valansi, M. Rothschild, J. Macchi, M. Pombo. Entre los video-artistas podemos incluir a G. Golder, S. Rivas, C. Nijenson, N. Hirsch, M. Yeregui, estos son solo algunos epígonos del amplio tejido cultural actual, que dan cuenta del crecimiento progresivo y continuo del museo".

Lo bueno: La colección es excelente y es genial también la posibilidad de que casi todas las personas puedan apreciarla ya que la entrada es completamente accesible, casi gratis.

Lo malo: No es un museo muy conocido, así que a ayudar a darle trascendencia a un Museo con artistas como los mencionados.

Lo que lo hace único: La posibilidad de apreciar una mirada del arte moderno argentino todo en un mismo lugar. Ya con todos los artistas mencionados no queda otra más que ir y disfrutar. Además la posibilidad de contemplar obras de referentes de la historia del arte como Dalí, Matisse, Picasso, Miró, Kandisky y Mondrian entre otros.


Más Información:

http://museos.buenosaires.gob.ar/mam2.htm 

Dirección:
Av. San Juan 350 (C1143AAO)
Horario:
Martes a viernes: 11 a 19 hs.
Sábados, domingos y feriados: 11 a 20 hs.
Lunes cerrado (excepto feriados)

Entrada:
Entrada general: $2. Martes gratis.





Música:

"Orquesta Típica Fernández Fierro"

 

Nacida en 2001, la OTFF es una orquesta de once músicos más cantor que ha revolucionado la escena del tango con su violenta sonoridad y puesta en escena, así como por el inédito proyecto colectivo que llevan adelante: el grupo se organiza en forma cooperativa, edita sus discos de manera independiente y administra su propio club: el CAFF (Club Atlético Fernández Fierro, Sánchez de Bustamante 764, Abasto), venue ineludible del under musical rioplatense, y donde la Fierro brinda sus potentes shows todos los miércoles.

Su trabajos discográficos se inician en el 2002 con “Envasado en Origen” y le siguen “Destrucción Masiva” (2003), “Vivo en Europa” (2005), el DVD “Tango Antipánico” (2005) y “Mucha mierda” (2006), elegido por el diario La Nación como uno de los diez mejores discos editados en ese año y su tema “Las Luces del Estadio/Buenos Aires Hora Cero” como uno de los cien mejores temas del año 2006 por la edición argentina de la revista Rolling Stone. Asimismo, ese mismo año, “Mucha mierda” fue nominado para los Premios Gardel como Mejor Album Orquesta de Tango. Actualmente, la OTFF se encuentra presentando su quinto disco, “Fernández Fierro” 2009), elogiado unánimemente por la prensa y elegido por la edición argentina de la Rolling Stone como uno de los cinco mejores discos de tango del 2009.


Integrantes

Federico Terranova - Violín
Pablo Jivotovschii - Violín
Bruno Giuntini - Violín
Juan Carlos Pacini - Viola
Alfredo Zuccarelli - Violoncello
Yuri Venturín - Contrabajo
El Ministro - Bandoneón
Julio Coviello - Bandoneón
Pablo Gignoli - Bandoneón
Eugenio Soria - Bandoneón
Santiago Bottiroli - Piano
Walter "Chino" Laborde - Voz

Lo bueno: Una banda de tango que suena muy bien y respeta el estilo y fundamentos del tango tradicional.

Lo malo: Sólo para quienes les guste el tango.

Lo que lo hace único: Participar de la movida del tango, cómo un fenómeno social y musical que sigue vigente y que respira con fuerza.

Más información: 

Todos los Miércoles, Sábado hasta el 29-08-2012

Club Atlético Fernández Fierro
Sánchez de Bustamante 764
Abasto, Ciudad de Buenos Aires
Buenos Aires
Argentina
Mail: caff@fernandezfierro.com 
Web: www.caff.com.ar - www.facebook.com/clubatleticofernandezfierro


Humor:

"ESTRES Stand Up"



"ESTRES StandUp" es un espectáculo de humor con una propuesta muy interesante, matar el stress del domingo, ponerle a ese día en que uno empieza a pensar en volver a la rutina un poco de humor.

Ellos señalan:

"Somos la mejor opción para terminar el fin de semana, y empezar el lunes con algo copado para contar en la oficina: “sabés que anoche fui a ver un show que estuvo buenísimo!!”. Intentamos colaborar con la sociedad, disminuyendo la alta tasa de suicidios que se dan los días domingos. Ayudarte a que no odies más los lunes!

Todos sufrieron alguna vez de Estrés o incluso lo padecen en este momento. En "ESTRES StandUp" abordamos temas cotidianos como la familia, las parejas, la televisión, los viajes, medios de transportes y complejos varios. Para que el público se identifique y pueda darse cuenta que los que están arriba del escenario, se estresan y padecen lo mismo que la gente sentada en sus butacas (pero peor)".


Lo bueno: Buen humor con una propuesta bien pensada.

Lo malo: El día y horario son un poco complicados, sobre todo si el teatro te queda lejos.

Lo que lo hace único: Cortar la amargura de la noche del domingo con un poco de humor.


Más información:

Domingos 21hs

Paseo La Plaza, sala John Lennon

Av. Corrientes 1660, Cap. Fed.
Duración: 1 hora

Entradas: $50 (adquirilas por plateanet o en la boletería de The Cavern)

consultá por promociones a: standupestres@gmail.com

FB: https://www.facebook.com/EstresStandUp

Twitter: @standupESTRES

Videos: http://www.youtube.com/standupestres

ELENCO: Agustín Alabés - Vicky Estrin - Gonzo Vizan


Teatro:


"Compañía sombras de arena"

 


La Compañía "Sombras de arena" presenta su espectáculo "Bambolenat". Esta formación ha creado un espectáculo sin duda único, combinando diferentes artes al servicio de un solo objetivo sorprender y emocionar.

Este grupo introdujo la innovación de proyectar figuras y sombras generadas a partir del movimiento de arena sobre una plataforma. Esto sumado a marionetas son el marco escenográfico en el que se produce la obra. Una obra que involucra la participación de actores (con predominancia de la expresión corporal) y música en vivo que termina de crear ese ambiente mágico.

Para describir este show en particular la compañía señala:

"Narra el nacimiento del hombre y el descubrimiento de un nuevo mundo e invita al espectador a acompañar a su protagonista en un viaje iniciático, mágico y misterioso lleno de color y sensaciones

Bambolenat es una película realizada en vivo en donde todas las disciplinas se unen en una pantalla. Así, actuación, títeres de sombra y espectaculares dibujos en arena interactúan con la música interpretada en vivo en cada función que combina instrumentos étnicos con percusión y música electrónica.

Sala en penumbras...., el silencio y la concentración son absolutos".

Lo bueno: El espectáculo está muy bien desarrollado y pensado, realmente nos introduce en una especie de hechizo o trance donde aprendemos a convivir con ese mundo que se crea en cada función.

Lo malo: El espectador debe saber apreciar fundamentalmente la expresión corporal y tener la mente abierta, sino se compenetra desde el principio se puede llegar a aburrir

Lo que lo hace único: Es un espectáculo novedoso y creativo de por sí, su mismísima concepción es única.

Mas Información:

5, 12, 19 y 26 de agosto 20hs.
Sala Siranush
Armenia 1353




viernes, 27 de julio de 2012

AbriendoIdeas Cine

El Concierto


"El Concierto" es una película francesa dirigida por Radu Mihăileanu, estrenada en el año 2009. Este film catalogado dentro del género de la comedia dramática presenta una profunda sensibilidad, acrecentada por la presencia estelar que tiene la música en el largometraje.  

El argumento muestra la historia de un grupo de artistas rusos que conformaban una famosa orquesta de renombre mundial cuyas carreras se ven interrumpidas ante un choque ideológico con el comunismo. El director de la orquesta Andrey Simonovich Filipov se plantea en contra del régimen que se instalaba en su país y, casi como una condena, es aislado del ámbito de la música junto con el resto de su formación y deben rebuscarse en su vida con distintos trabajos alejados del ámbito del arte.


Imagínense el dolor de Filipov que termina trabajando de conserje en el mismísimo teatro que una vez fue testigo de su arte. El film comienza justamente en esta etapa, con el comunismo ya en el pasado, pero con estos artistas viviendo y trabajando en situaciones que antes les hubieran resultado impensadas.

Sin embargo la esperanza y la aventura aparecen en la historia cuando Filipov intercepta una invitación oficial del  Théâtre du Châtelet en París y decide reemplazar en el concierto a la Orquesta Filarmónica de los Ángeles. Entonces se decide a juntar a todos sus antiguos compañeros y planificar este viaje.


Apenas pisan el suelo francés todos los músicos de la orquesta se escapan y empiezan a trabajar haciendo changas, vendiendo cosas, disfrutando al máximo toda la libertad que este país les ofrecía, pero olvidando su promesa para con Filipov, que ni siquiera logra coordinar un ensayo. Esta situación pone en jaque la estrategia ideada por el director de la orquesta, dado que además el concierto cuenta con la presencia exclusiva de la violinista Anne-Marie Jacquet que se da cuenta del amateurismo de los músicos y comienza a sospechar.

La historia se complejiza con la presencia de un conflicto particular y emocional de la vida de Filipov, que se presenta como secundario y termina siendo central en la película, pero al respecto no voy a dar mas detalles para que ustedes mismos se sorprendan.



Esta película trata con inteligencia humor el conflicto entre el comunismo y el arte, vinculando temas cómo la censura, el racismo y la libertad de expresión. Hay un  excelente trabajo desde el guión y la dirección generando esa mirada casi paródica de la U.R.S.S. y de sus restos, visibles no solo en la historia, sino en las mentes y almas de estos personajes.

Les prometo que van a disfrutar y emocionarse con este film, sobretodo en ese marco que va construyendo la música clásica con una delicadeza y precisión incomparables, casi cómo una expresión directa de los sentimientos.


Mejor Actuación: Aleksei Guskov interpretando al director de orquesta Andrey Filipov, realmente se luce otorgándole sobre todo la carga dramática propia de un hombre que ve su vida truncada por un sistema opresor, que convirtió sus sueños en quimeras.



Mejor Personaje: Sacha Grossman, interpretado por Dimitri Nazarov, es un fiel amigo de Filipov que actúa en muchos casos cómo la voz de la consciencia, pero que también le aporta una gran carga de humor aparentando ser un hombre sencillo, pero a la vez siendo un experto chelista.


Mejor escena: Hay una escena que a mí me encantó y está vinculada a cómo las personas prejuzgan y muchas veces se dan cuenta que estaban equivocadas. En este caso sucede Jacquet la violinista estrella sospecha que un músico gitano no sabe tocar cuando ingresa en la sala tocando una tonada popular de su pueblo. Sin embargo se acerca con el violín a la joven y demuestra todo su talento en una compleja canción de música clásica.


Detalle que suma: El repertorio musical en la película incluye obras de MahlerMendelssohnMozart,  Khachaturian y Tchaikovsky.